Discotexte : Comme un avant-propos, j’aimerais te poser une question presque personnelle et déterminante pour le bon déroulement de cet entretien : puisque tu es désormais familier des interviews, penses-tu être élusif [du nom du premier projet solo de Raphaël Beau, en 2007, ndlr] au cours de celle-ci ?

Raphaël Beau  : (sourire) Bien joué ! Je vois que tu t’es renseigné ! Eh bien, je ne peux pas te répondre tout de suite : ça dépendra évidemment de tes questions ! Mais, tu as réussi à écouter quelque chose ? Parce que les démos ne sont plus disponibles sur MySpace : elles ont disparu avec la refonte du site – ils ont fait le tri et supprimé énormément de sons… Donc, il n’y a aujourd’hui que moi, et peut-être quelques potes du lycée, je pense, qui ayons encore des morceaux d’Élusif…

Le temps a passé et tu défends ton premier album, O (SOMAA / Mercury Records, 2020), sorti en mars dernier, dix jours après le début du confinement, autre fait marquant de l’année. L’exercice de la promotion te semble-t-il, dans ce contexte, plus difficile ?

Effectivement, j’appréhendais un peu de sortir cet album en plein confinement. Mais je crois que ça nous a plutôt servi, en matière de promotion. Bien sûr, ça a été un peu plus compliqué de communiquer parce que certaines rédactions étaient « fermées », que beaucoup de journalistes ne travaillaient quasiment plus. Mais les gens étaient assez disponibles – ils étaient chez eux, sur Internet –, attentifs, et à ce moment-là très solidaires avec les artistes, les musiciens. Ils ont formé une sorte de communauté, un monde connecté et réceptif. Et il me semble qu’on a obtenu certaines choses qu’on n’aurait pas pu avoir en temps normal : je pense à tous ces live confinés, mis en place par les différents médias. Le premier que j’ai fait, pour Nova [radio FM française, ndlr], puis les quelques autres qui ont suivi n’auraient probablement pas eu lieu s’il n’y avait pas eu le confinement. Alors, ça a été plutôt bénéfique…

Tu viens de le confier, O est le résultat d’une masse colossale de travail. Afin de comprendre les complications auxquelles tu t’es volontairement exposé pour relever tes propres défis sur la conception de cet album, peut-on revenir sur ton parcours d’autodidacte ?

J’ai commencé la musique assez tôt. Il y avait un piano chez mes parents, et je me suis mis très vite à improviser parce que, d’une part, je ne savais pas lire les partitions et que, d’autre part, ça ne m’intéressait absolument pas. J’ai bien essayé : j’ai fait un tout petit peu de solfège en primaire, mais ça rentrait par une oreille et ça ressortait immédiatement par l’autre. En fait, le travail dans la musique me repoussait, c’est-à-dire qu’il m’en dégoûtait plus qu’autre chose : moi, je voulais jouer pour m’amuser. Et puis, pendant mes années collège, j’ai fait du piano plus régulièrement : dès que je sortais des cours, je me mettais au clavier et je jouais pendant des heures… Depuis, je ne me suis plus jamais arrêté.

Tu sembles entretenir une relation particulière avec le piano : incarne-t-il à lui seul la définition de ta musique, instinctive et percussive ?

C’est avant tout un outil indispensable ; il est la pierre angulaire de ma façon de composer : je pense qu’au piano, on est capable d’écrire pour n’importe quel autre instrument. Moi, je pars toujours de là, en fait… J’ai l’impression qu’il me donne plus de possibilités qu’une guitare, par exemple, peut-être parce qu’on se sert de nos dix doigts et qu’il y a plus de notes disponibles d’un coup… J’aurai toujours, je crois, cet instrument à la base de mon travail de composition. Mais ce n’est pas pour autant qu’il y aura toujours du piano dans le projet LAAKE : à un moment, j’imagine que j’aurai envie d’aller sur un autre terrain. D’ailleurs, si je reprends le fil de mon histoire, au lycée, et après pendant mes études supérieures, j’ai aussi monté des petits groupes de rock où j’étais plus souvent à la guitare, et surtout des projets solos qui me permettaient d’entremêler mes goûts, mes influences – la musique électronique, le metal, la guitare classique –, mais en y associant presque toujours le piano. C’était un peu fouillis, mais je tenais déjà les bases de ce que je voulais faire : mélanger des instruments les uns avec les autres, et ne pas m’inscrire dans une case. Cela n’a jamais été une envie assumée d’être en marge – je n’ai d’ailleurs pas l’impression d’être un vilain petit canard –, mais plutôt un besoin de réaliser ce qui me passait par la tête sans le conceptualiser forcément, dans le seul but de voir ce que ça allait donner. J’essaye toujours de garder le plus de spontanéité possible dans la composition : c’est pourquoi certains morceaux de l’album ont été écrits en moins d’un jour voire une après-midi ; le plus dur étant, à chaque fois, dans ce processus de création, de se remettre sur un morceau qui a donc été créé en un laps de temps très court et de le retravailler indéfiniment pour qu’il soit le meilleur possible.

En 2014, quand tout commence vraiment pour LAAKE, ton appétence pour la diversité musicale est encore palpable puisque tu es encore partie intégrante de CANCR, un duo piano / batterie avec Ludovic Verwaerde, et SPINAL (d’abord appelé SPINALCHORD), un groupe de rock avec Clément Martin et Aurélien Papa Techera.

Tout à fait. Je menais encore trois projets en même temps.

Cette multitude de projets était-elle une nécessité pour nourrir le projet LAAKE en devenir ?

Quelques-unes de mes compositions ont demandé et mérité de créer un projet en particulier pour pouvoir exister. J’avais déjà SPINAL, mon groupe de rock, quand j’ai monté CANCR : mais j’avais toujours voulu monter cette combinaison piano / batterie, alors – bon, malheureusement, on n’a fait qu’un seul concert, parce que mon pote est parti vivre à Lille… J’avais besoin de faire plusieurs choses en même temps.

Mais l’idée commune, c’était faire de la musique, tout simplement. C’est mon moyen d’expression, ma façon d’extérioriser, de me « soulager » de certaines émotions – parce qu’autant je peux être quelqu’un d’assez extraverti dans la vie de tous les jours, autant, d’un point de vue émotionnel, j’ai tendance à garder pas mal de choses en moi… Et même si je ne le pense pas comme ça, je m’en rends compte : je me décharge de beaucoup d’émotions négatives quand je crée… La musique, c’est aussi une manière de m’occuper, de penser à autre chose : elle peut être salvatrice. J’avais une ambition pour chacun de ces projets : je m’y suis investi à niveau égal. Après, par la force des choses, certains se sont arrêtés et d’autres ont perduré. Mais à l’époque, LAAKE n’avait pas encore pris autant d’importance que maintenant dans ma vie…

D’ailleurs, tu composais sous un autre nom : I’m Falling Down…

Tout à fait. Tu as trouvé des sons, là-dessus ? C’est No plans, le premier morceau que j’ai composé pour LAAKE, qui a fait le pont, la transition, entre les deux projets : je l’ai juste partagé sur ma page I’m Falling Down, histoire de dire : « Maintenant, c’est LAAKE. » Mélanger le piano et l’électro, c’est un concept que j’avais depuis un moment en tête – l’idée, même, de jouer un jour avec un orchestre, a germé en moi pendant une dizaine d’années : c’est vraiment un truc que j’ai en moi depuis longtemps ! J’ai eu la patience d’attendre avant de me lancer dans ce projet… Et j’ai bien fait : il me fallait acquérir plus d’expérience dans la musique ; et dégager plus de temps, donc quitter mon travail [de graphiste et directeur artistique freelance, ndlr] afin de me consacrer au projet à 100 %.

Parlons justement de la réalisation de O : nous l’avons évoqué précédemment, tu as cherché à prendre des risques, à te mesurer à des difficultés que tu n’avais pas rencontrées avec tes deux EP.

Les EP, je les ai enregistrés tous les deux dans ma chambre en peu de temps : ce sont des improvisations limite remises en forme, quoi ! Enfin, disons qu’ils ne m’ont pas donné autant de travail que O. En fait, j’ai tout de suite composé cet album en me disant, dès le début, que j’allais faire quelque chose d’orchestral : comme d’habitude, j’ai commencé avec un piano, chez moi, dans mon petit studio, et puis, grâce à l’ordinateur et les plugins, les cordes et les cuivres ont vite suivi. J’ai écrit un morceau et je me suis dit : « Bon, maintenant, il faut que j’en fasse dix autres » ; et c’est venu naturellement. Mais avant l’étape finale, pour laquelle on est passés en studio pour réenregistrer tous les instruments, il y a eu un long travail d’arrangements des cordes, avec la découverte et l’apprentissage des différentes tessitures des instruments mais aussi de l’écriture de partitions – que je ne prétends toujours pas connaître, ou du moins suffisamment pour que ce soit compréhensible pour un musicien classique.

Pourquoi ne pas avoir choisi la facilité : profiter de toutes les possibilités qu’offre la machine, avec ses bibliothèques d’instruments, à l’instar du single FAAKE (Tølva Records, 2016), qui était déjà très orchestré ?

Ce morceau est différent des autres, effectivement. Mais ça me paraissait évident, en fait. J’aime les instruments classiques, et sur scène, j’utilise de plus en plus souvent un « vrai » piano ; j’aime aussi la musique électronique, synthétique, qui est à la base de mes morceaux et qu’il fallait, d’après moi, mettre en opposition avec quelque chose de, non pas « organique » – parce que tout le monde utilise ce terme – mais plus traditionnel. Je voulais mélanger ces deux techniques : l’acoustique et l’électronique.

En définitive, combien de temps la réalisation de cet album aura-t-elle nécessité ?

Pas tant que ça, finalement : deux ans, environ, sans que je travaille tous les jours dessus. Les morceaux ont été composés assez rapidement, en quelques mois, en fait, et il n’y a eu que trois semaines d’enregistrement en tout ; entretemps, l’écriture des partitions, elle, s’est étalée sur plusieurs mois – je ne saurais pas dire combien exactement, mais au moins six –, et dans la foulée, il y a eu toutes les séances de répétitions avec les musiciens… Oui, globalement, ça m’a pris deux ans pour écrire et finaliser O.

Autre défi, conséquence directe de cette volonté à composer pour un orchestre : le live. Comment s’organise la tournée ? Et surtout, avec deux quatuors sur scène, parviens-tu encore à laisser une place à l’improvisation, à favoriser l’idée de liberté à laquelle tu tiens tant ?

Oui, tu as remarqué comme il y a toujours une part de défi dans ce que je fais ? J’ai toujours travaillé avec plusieurs formules : quand j’ai tourné pour la sortie de PIAANO, j’étais soit tout seul sur scène avec un piano numérique et un synthé, sinon avec un piano à queue, soit en duo avec Juliette [Serrad, ndlr], ma violoncelliste. Pour O, j’ai aussi imaginé trois formules différentes, mais je suis toujours accompagné, dorénavant  : ou par un violoncelle pour un duo, ou par un quatuor à cordes, ou par l’orchestre au complet. Mais le live avec tout ou partie d’un orchestre, c’est vraiment une approche complètement différente du concert, notamment parce que tout est écrit et que les partitions se trouvent sur scène. Évidemment, ça laisse moins de place à l’improvisation. Mais c’est quelque chose que je vais essayer de ramener, au fur et à mesure de la tournée. Moi, je continue d’improviser des passages entre les morceaux ; et c’est un exercice, un jeu qu’on a d’ailleurs toujours connu, avec Juliette. Mais j’aimerais pouvoir aussi improviser avec les autres instrumentistes qui m’accompagnent. On a commencé à mettre ça en place, un peu : lors de notre dernier concert, je me suis retourné, j’ai regardé mon trompettiste, il a compris immédiatement ce que j’attendais de lui et on s’est mis à jouer ensemble. C’est important pour moi – je l’ai déjà dit : je n’aime pas faire toujours la même chose –, et je pense que ça l’est tout autant pour les musiciens : c’est une manière, déjà, de leur donner, sur scène, l’intérêt qu’ils méritent, mais aussi de les faire sortir des sentiers battus, qu’ils se mettent en danger. Alors, tout ne sera pas parfait, il y aura peut-être des fausses notes ou des moments d’hésitation, mais il me semble que plus on fait de l’improvisation, plus on est à l’aise sur scène.

Après tout, vous n’êtes pas des machines…

Voilà ! Et c’est ce qu’il faut montrer aussi… Parfois, je regrette presque de leur faire jouer des partitions et qu’ils ne puissent pas s’exprimer comme ils le pourraient ou le voudraient. Moi, ça m’est totalement étranger ! Après, certains commencent à les connaître par cœur, mais comme les musiciens ne sont jamais tous disponibles à la même date, je dois trouver des remplaçants, et je suis donc obligé d’avoir des partitions sur les pupitres…

Cela honore à juste titre ton travail… J’aimerais revenir sur l’insatiable énergie et le dévorant besoin de bravade qui t’ont (pré)occupé pendant la réalisation de ce premier album : la performance est-elle le corollaire d’une envie de tout contrôler ?

C’est un problème… Non, ce n’est pas un « problème » à proprement parler : il s’agit d’un défaut, et peut-être aussi d’une qualité. Oui, j’aime bien tout contrôler, ou, plus exactement, j’aime bien faire les choses par moi-même – et j’ai franchement du mal à déléguer. En fait, j’ai une vision assez précise de ce que je veux faire. Même si j’ai plusieurs choses à faire à la fois, d’ailleurs ! J’en ai parlé tout à l’heure : j’ai clairement du mal à me concentrer sur une chose en particulier, alors je fais toujours plein de trucs en même temps – c’est mon côté hyperactif ! Mais je le vis plutôt bien. C’est juste que je manque de temps, parfois – souvent, même !

Le contrôle jusqu’à la perfection ?

Je n’aime pas ce mot. Ce qui m’importe avant tout, c’est d’être satisfait. Justement, non, je n’ai pas envie que tout soit parfait, sinon ça ne correspondrait pas à mon modèle de pensée. En fait, j’ai bien le contrôle sur tout ce qui est autour du projet – c’est-à-dire les arrangements, l’enregistrement, le mixage, ou encore l’image, etc. – mais pas sur son essence : quand je fais de la musique, c’est un pur moment de liberté. Je ne m’oblige jamais à faire de la musique ; je ne m’impose jamais des temps de composition. C’est même devenu un leitmotiv. Parce qu’à trop travailler la musique, on perd sa créativité et on finit par se lasser, très vite, je pense.

Puisque c’est un rêve de longue date qui se réalise enfin, O marque déjà un aboutissement dans ta « jeune » carrière de musicien. Le choix de cette lettre circulaire pour titre d’album figure-t-elle d’ailleurs que tu as bouclé une boucle ?

C’est intéressant de penser à ça… En vérité, ce O est celui d’« ORCHESTRAA », parce qu’au départ, j’avais dans l’idée d’appeler cet album ORCHESTRAA – ce titre apparaît quand même sur la pochette –, comme une suite logique ou une contrepartie à PIAANO, mon deuxième EP. Mais entretemps un artiste – euh, je ne me souviens pas du tout de son nom… un DJ… [Worakls, ndlr] – avait sorti un album électro-orchestral intitulé Orchestra (Hungry Music, 2019)… Bref, j’ai gardé le O : une lettre qui pourrait être un chiffre, avec ce côté rond, cette notion d’infini, de boucle, effectivement. Après, c’était aussi l’année de mes 30 ans : donc le rond du zéro. En fait, le cercle a toujours été assez important pour moi : c’est une forme que j’ai beaucoup utilisée dans mes visuels, avec laquelle j’entretiens des liens depuis longtemps.

Aujourd’hui, tu es totalement investi dans ce seul projet, au point d’avoir mis de côté ta carrière de graphiste, comme tu l’as évoqué précédemment. Pour autant, tu conçois tes pochettes et réalises la majorité de tes clips. Là encore, est-ce compliqué, pour toi, de laisser la main à quelqu’un d’autre ?

L’image – la photo, la vidéo – est devenue extrêmement importante, primordiale, aujourd’hui. Et la musique que je fais s’y prête tellement que cette dimension-là fait clairement partie intégrante du projet ! Et c’est effectivement sur l’aspect visuel du projet que j’ai le plus de mal à déléguer : après tout, c’est mon métier – enfin, ça l’a été…

A-t-il été difficile, donc, de confier la réalisation du clip de RUN, premier single de l’album, à Vincent de la Rue ?

Oui, d’une certaine manière, ça m’a été relativement pénible. Disons que j’aime garder la main sur tout… On a quand même fait des choses ensemble, en termes de conception ; mais je n’ai pas assisté au tournage – heureusement, d’ailleurs, parce que j’étais alors en plein enregistrement. Et il y a eu quelques discussions un peu tendues parce que chacun avait son point de vue – et j’avais vraiment des idées précises en tête –, parce que j’étais très pointilleux sur des trucs techniques – dans le montage ou l’étalonnage, par exemple. Je pense que ça a été dur pour lui comme pour moi. Mais finalement, je suis très content de ce clip. Il a très bien travaillé, Vincent…

Le milieu du cinéma ne s’est-il pas encore adressé à toi ?

Non, et j’attends ça avec beaucoup d’impatience ! C’est un objectif que j’ai depuis longtemps aussi : faire la musique d’un long métrage…

On retrouve également la similitude d’une boucle mélodique en rapprochant RUN, qui ouvre l’album, de LIGHTS, qui le clôt.

Oui, c’est vrai, elles se font écho. Avec RUN, il y a vraiment quelque chose de l’ordre de l’urgence ; avec LIGHTS, quelque chose d’un peu plus placide mais qui se termine un peu dans une même urgence – parce que, comme je viens de le dire, j’aime bien installer un climat et finalement le briser. La composition de LIGHTS correspond parfaitement à mon envie de fermer l’album, et de l’ouvrir tout à la fois.

Quid des ressemblances entre les clips, cette fois, de RUN et de 69 ?

Alors, oui, il y a des similitudes, mais ce n’est vraiment pas volontaire. Le clip de 69 est le tout premier que j’ai réalisé : je ne savais absolument pas comment m’y prendre, à l’époque, et je n’avais en tête que le scénario de « quelqu’un qui court vers un point dont on ne sait ni ne saura rien ». Pour RUN, du fait de son titre, c’était une évidence de faire un clip avec un personnage qui court aussi ; mais ce n’est pas tout à fait la même histoire… Après, il s’avère que les deux vidéos ont été tournées en Bretagne, donc on peut facilement leur trouver des similitudes – forcément. D’ailleurs, tant que je parle de paysage, on peut aussi trouver des correspondances entre les clips de RUN et d’INTROSPECTIVE, puisqu’il y a ce rapport à la nature assez fort dans les deux.

Justement, comment éviter les redites ? N’est-ce pas une hantise dans un processus de création ?

Non, ça ne fait pas peur. Mais si j’ai fait cet album orchestral, c’est précisément pour changer. C’est tout l’enjeu, maintenant : c’est-à-dire se réinventer, comme tu le disais tout à l’heure, et aller vers quelque chose de différent – même dans l’image : je ne vais pas réaliser toute ma vie des clips avec un mec qui court le long des falaises !

Tout cela en parallèle d’une tournée qui a repris fin août, qui ne cesse de grandir avec une nouvelle mise en scène et un nombre de dates croissant…

Bien sûr ! Maintenant, sur la tournée, j’ai un ingé’ lumières qui a fait toute une création autour du live, millimétrée sur la musique. On y a réfléchi ensemble, je lui ai soumis quelques pistes, et puis il y a travaillé pendant trois mois – pendant le confinement… (Son portable vibre) Tiens, c’est marrant ! C’est lui qui m’appelle, là ! (Il répond mais coupe court à la conversation) On en était où ? La tournée ? Oui, je suis content : la dernière date est prévue en août prochain ! Et, pour l’instant, elle ne s’arrête pas… [Depuis, un nouveau confinement est entré en vigueur le 30 octobre en France, entraînant la fermeture des lieux culturels au moins jusqu’au 7 janvier 2021 et donc l’annulation d’une quinzaine de concerts de LAAKE prévus sur cette période, ndlr]